这是一首好作品，李健的形象很适合演绎这类作品，他会很给人一种很亲和很接地气的感觉。这种感觉所传递出的最终印象就是：真实。所谓演唱的“演”，就是指歌者对歌曲情绪的理解和表达。许飞原版和李健版最大的区别不是演唱，而是编曲色彩对听感环境的影响。这首歌不论是许飞还是李健，他们都唱出了对父辈情愫的流露，唯一的区别是年代差异，但是主题内容的导向始终是定位在「父辈生活纪实」这个落脚点上。重点是编曲，之所以我（个人）认为李健的版本更好听，主要也是因为编曲太棒了，单论人声我并不认为许飞差李健多少，甚至许飞能唱出青春往昔的味道，而李健更像一个大叔在讲故事。我们来看看两个编曲的差异：「李健版」该版本加入了丰富的器乐配置，弱化了许飞版的吉他，加入钢琴、弦乐、长笛、小号、长号、萨克斯、人声和声以强化这首歌的情感氛围，如此丰富的编曲，它现在只需要的是一个会讲故事的人，而这个人就是国民暖男流行诗人李健。钢琴部分起到了营造安静叙述的良好环境，这是许飞原版扫弦吉他根本达不到的效果，这里也是给部分写歌的朋友做出了正反案例，什么时候用钢琴，什么时候用吉他扫弦，怎样排列它们的优先级，都很讲究。适时进入的弦乐层也紧紧贴着李健的男声，弦乐的变化虽不复杂（基本就是衬着和声），但正因为多了一层弦乐就让歌曲变得很容易触动泪点，这种弦乐煽动力不可忽视。管乐的使用仍然出乎了我的意料，只能说编曲老师确实花了心思，第一遍结束后的小号直接让我想起了二十多年前《北京人在纽约》主题曲《千万次的问》的前奏（没听过的可以去听一下）。不论是小号还是长号还是萨克斯，它们的突然出现会营造一种时光穿梭的效果，仿佛瞬间从1980年把你拽到了2017年，强烈鲜明并带有催促意图的号角暗示着你剩下的时间已经不多了，这些被埋藏在岁月中的故事和悲歌，都随着这一声号响，流逝在风中。编曲方面几乎是高下立判的存在，如果你想知道编曲对一首歌曲的影响有多大，那么听听许飞原版和李健翻唱的版本就会明白，有时候一首作品未必是写得不好，很可能就是因为编曲太粗糙或太不走心导致作品得到了很委屈的评价。
这么浓郁的歌曲，更应该藏而不露，更应该含蓄，要懂得节制，不能做过分的夸张和渲染。实际的演唱时，也确实是这么做的，他的演唱始终保持着一个极好的平衡度，含情而克制，仿佛亲人注视着你却欲语又止的目光。即便到后面感情爆发的段落，李健甚至难得地带着一点哭腔去抒发这散文诗带来的震撼和感动，但每到句末，总是会舒缓得收到娓娓道来的弱声。李健做到的是一个示范级的表演：“哀而不伤”并不是某种古板的不合时宜的教条、抑或中老年人荷尔蒙冷却后的偏好，而是真实的一种境界，就像一根柔韧的琴弦，并不发出惊天动地的巨响，却可以在空气中不停的震动，不停的回响，不停的唤醒我们的内心，触动我们的情感。
我不懂音乐，所以只谈感觉。作为80年代出生，农村家庭出身，家有兄弟姐妹，而今是两个儿子的妈妈的我，在听到这是父亲日记里的话一句，痛哭失声。是的，是痛哭失声。心里的情感波涛汹涌，难以遏制。彼时先生正在书房，听见哭声急忙跑出来，我只是把手里的小儿子交给他，听着歌，继续哭。终于哭完了整首歌，然后再也没有勇气打开第二遍。作为女儿，我知道农村父亲在家里三个孩子都读书的8090年代曾经遭受过什么，作为母亲，我知道未来，我自己正在以及未来要遭受什么。艰难的生活已经不在，然而那份对于儿女自己生活的沉甸甸的期盼，永远都在。
我不懂音乐，所以只谈感觉。作为80年代出生，农村家庭出身，家有兄弟姐妹，而今是两个儿子的妈妈的我，在听到这是父亲日记里的话一句，痛哭失声。是的，是痛哭失声。心里的情感波涛汹涌，难以遏制。彼时先生正在书房，听见哭声急忙跑出来，我只是把手里的小儿子交给他，听着歌，继续哭。终于哭完了整首歌，然后再也没有勇气打开第二遍。作为女儿，我知道农村父亲在家里三个孩子都读书的8090年代曾经遭受过什么，作为母亲，我知道未来，我自己正在以及未来要遭受什么。艰难的生活已经不在，然而那份对于儿女自己
生活的沉甸甸的期盼，永远都在。
声情并茂，真情感悟，有情有爱，诗情画意，激情岁月，人情深重！
