做学生的时候，老师引导我“有感情地演奏”，我印象特别深刻的包括学《悲怆》的左手十六分音符，老师说这里手的感觉好像“一个快要挂满衣服的衣柜，捏着其中一件轻轻地摇晃”，还有肖邦哪一首圆舞曲的分解八度，老师告诉我这里像“提着裙子转一个小圈，裙子边划过的痕迹”。 教学中，可以说“你这一遍弹得没有感情”，这往往是一个综合的表达，可以是没专心、谱面要求没做到、技术不过关等等。但是听演奏的时候，不适合轻易地觉得演奏者“没有感情”。因为“感情”实在太模糊，弹哈农也有感情，边弹琴边看电影也有感情，用程序读谱也有感情，甩脑袋闭眼睛晃肩膀一脸陶醉也有感情。什么都能算感情。感情有没有，是很难找到判断标准的。作曲家想表达的感情是标准吗？不一定。即使不考虑一次创作二次创作，很多作家的谱子也是保存不全或经过后人多次删改的版本，而且有些作家不喜欢加表情记号，不告诉演奏者强弱快慢。已经没可能知道作曲家的意图了。控制好节奏和音高当然会有感情，快一点慢一点也能有不一样的感情。所谓渐强渐弱渐快渐慢乃至自由节拍，本来就是演奏者自己把握，哪里有“准”可言。完全没有强弱变化，也可以是一种感情。一般对于“没感情”的评价，我会认为是演奏者没练好、不符合听者对曲目的理解、弹的人有感情但听的人没听出来或者是“哎呀这个人一点硬伤都没有但是我一定要说他烂”。很烦的是，有不少人是根据表情动作来判断有没有感情的。好像只有演奏者抬起下巴眯上眼睛耸着肩膀前后摇晃自带“啊啊啊我现在好有感情”弹幕的，才是有感情。造就了一批恨不能晃散琴凳的小琴童。
你得明白你听到的最终的音乐，是怎么来的：作曲家写作——>演奏家读谱、演奏——>听众聆听（演奏家演奏的，其实不一定就是作曲家的意图；同样地，听众听到的，也不一定就是演奏家的意图；也就是说，音乐从作曲家到演奏家是第一重创作、从演奏家到听众是第二重创作，听众听到的，是经过自己主观感受“加工”后的音乐，而非演奏家演奏出来的音乐。）
其次，感情体验是非常主观的，也是不靠谱的评判标准。所以国际上的音乐比赛是没有以情感作为评判标准的。
简而言之，听同样的一首曲目，有人会感动落泪、有人会仰天长叹，但是也有人会觉得热血沸腾，还有会觉得毛骨悚然，或者同样的一个人听同样的一首曲目，在不同的年龄段欣赏也会有不同的情感体验。换言之，情感体验是非常私密、非常个人化的一种体验和经历，甚至于听众的情感体验可以和演奏家完全不一样，乃至于和作曲家的要求也不一样，这是完全可能的。
《四月》中的这个基本设定可以说是作者向受众（漫画读者、动画读者）的一种妥协，毕竟不是所有人都对古典乐有涉猎。一般的音乐受众普遍倾向于认为让自己感动的音乐，一定是演奏家倾注了情感的结果，其实事实并非一定如此。像有的钢琴家喜欢将强烈的情感释放出来，比如说郎朗、张昊辰；但也有钢琴家喜欢将自己的感情收敛起来，比如说傅聪、哈梅林。就我个人而言，我自己的演奏风格也是倾向于后者的，我希望听众能听到作曲家的意图，从而用他们自己的耳朵来聆听、用他们自己的大脑来判断，让听众能产生各不相同的情感体验。
并不能判断。举个例子吧。有一次在学校社团里弹一首古典吉他的小曲子，我都没有进入一种很专注的状态，很惯性的去控制轻重音，自然也没啥感情。但是弹完了结果却有女生对我说我弹的很有感情特能打动人心。
所以你看，并不能判断的吧。有没有投入情绪也就演奏者自己知道。
另外我倒是觉得对节拍、音色百分百的控制反而显得演奏特别机械了。因为同一首曲子即使你弹了好几百遍了，随着你演奏的心境的不同，对曲子轻重快慢的把握也是不同的。要是每次都弹一样的感觉多没意思啊。
