戏剧演出分很多种。基本上一次演出需要考虑以下几个因素：创意（剧本）演员的演出（排练）舞台设计（道具和舞台场景的设置）宣传（票务、海报、媒体曝光）行政（演出执照、排练和演出场地、版权相关）技术（灯光音效）现场（演出现场前台后台的人力调度，前台检票的引导员。后台道具和演员的调度人力（整个剧团人力资源的调度，人员分配以及团员康乐）如果是学校演出的话，主要还在创意、舞台设计和演员的演出上。首先要有一个比较特别的剧本，现在的戏剧已经更倾向于实验性和艺术性，凡是认为能够接受的或者是表现力强的表现手法都可以大胆地用上去！创意在这里就占很大的成分。排练演员的话，就需要演员去理解剧本，并且根据剧本产生自己的理解。千万不要照本宣科，这样很容易会被剧本限制住。要给演员一定自由发挥的空间。甚至让演员参与到剧本的修改当中来。
舞台设计要注重空间感，也就是说要合理地利用那一小块舞台，让舞台的每一个部分都有戏，通过道具、舞台设计等等可以让演员站在不同的高度，不同的方位演戏，那样会让舞台变得很有层次感。一般学戏剧都不是看书的哦，都是看戏然后从中学习他人的表现手法，然后创作出属于自己的表现手法。在艺术领域没有哪一种表现手法绝对正确的，也没有绝对错误的艺术形式。所以只要觉得合适就应当大胆尝试。大陆这边推荐看一看孟京辉的戏，台湾这边看赖声川，东南亚就读郭宝崑的剧本吧。表演是很有意思的一个过程，享受表演吧！确定主题和风格，然后可以找对剧本撰写比较擅长的同学帮助你写剧本，不过得提前跟他商量内容，以及你想表达的中心思想。写好剧本后，就根据剧本上的人物设定，找出适合这个人物的演员。这个环节，可以私下进行，也可以在班上公开邀请。然后，就根据剧本来表演，根据表演出来的效果对剧本，比如一些台词，或者是不能达到理想效果的情节做出适当的调整，但是不要改动太大！！后续一切根据剧本来。所以剧本很重要！！！很重要！！记得谁来着？张艺谋还是哪个导演大咖说的，他会把剧本写得很完美，每个细节都考虑到，甚至每一个镜头的角度，拉近还是拉远都会详细地写在剧本上，这样为后续省去了不少的麻烦。所以，多在剧本上花功夫，没错的。加油！
戏剧演员本人既是创作者又是创作的材料与工具，他表演角色的过程又是艺术作品本身。这就造成演员与角色这个表演艺术的基本矛盾。这种特殊的矛盾自戏剧表演形成之日起就存在，而且将伴随戏剧表演的发展而永存。演员要扮演角色就必须不断地解决这个矛盾。演剧史上自古至今对之争论不休，大致可以归纳出几个统一点：体验与表现必须结合；敏感与控制必须结合；创作与生活必须结合；演员与角色是矛盾的统一,任何舞台人物形象都是“演员-角色”的矛盾统一体。戏剧表演家把这种现象称作“三位一体”。因为表演创造有这种“三位一体”的特点，所以演员的创作个性不同，就使不同的演员在扮演同一个角色时，会创造成各不相同的舞台人物形象。这一点使戏剧作品得以不断地长期在舞台上演出，并使观众以极大的兴趣观看不同演员扮演的同一角色，欣赏他们各有特色的艺术创作风貌与技巧。就因为演员们各以其特有的认识、构思与条件给予角色以独特的新意，才使观众从中获得了新的不同审美乐趣。戏剧演员的创作个性各有特长的一面，从而形成演员各有其“拿手好戏”的局面，也因其各有本身的局限性而产生各种创造上的限制。这两方面结合起来就形成所谓演员的“戏路子”，如话剧历史上的悲剧演员与喜剧演员、性格演员与本色演员、专演英雄角色的演员与专演反面角色的演员（正派与反派）等。
无论是戏剧还是电视剧都要求演员创造出活生生的、有血有肉的人物形象，并使之具有审美价值。在塑造形象时都要求演员“化身成角色”，即演员以其自身为载体，使之变为剧本中之人物，表现出另一种性格，成为另一个人物。戏剧演员一般是按照时间和剧情发展的顺序来创造自己的角色，在这个顺序之中努力使人物性格的发展连贯、有层次、有起伏，而且前后和谐统一。电视剧的制作过程与戏剧的创作过程不同，因此，电视表演不像戏剧表演那样在创作中有连续性。在电视表演中，由于受时间、地点、气候、经济条件等种种因素的限制，拍摄不完全是按照故事情节的顺序来进行的。例如：人物50年前和50年后的如果在同一个外景地，往往就会安排在同一个时间里拍摄。而在戏里虽然是几分钟之后发生的事，但是由于场景在不同的地方，就可能要停一段时间才能拍摄。在电视剧拍摄中，一个场面或一个镜头最长的也不过10来分钟，最短的甚至只有几十秒钟。但是拍摄的时间往往可能需要几个小时甚至是几天的时间。每一个镜头拍摄之前都要设置机位，布光照明，把一切保证拍摄成功的技术要求都准备好之后，才可能开始拍摄。但是只要摄像机一开动，演员就要能够马上进入角色，把这几十秒钟或者是几分钟的戏真实生动地表演出来，并且还要做到恰如其分，恰到好处。
