明星制度(star-system)是竞争的产物，始于19世纪中叶演奏曲目被制定的时候，换言之，是在1830年李斯特开始在音乐会中演奏其他当代作曲家的音乐作品，而门德尔松演奏巴赫时(于1829年《马太受难曲》百年纪念日)。李斯特赋予其演奏曲一个空间的向度，而门德尔松则是时间的向度。这两种向度对于音乐市场的扩展是必需的，因为没有了融合或普遍性便不会有广大的销路。而同时，这种再现却确认了一种恐惧的开始:社会试图重新发现过去年代的音乐，意识到也许它本身对抗暴力和导引想象的系统正丧失其有效性。古典音乐中明星出现的过程，系以将囤积物价格化为基础:市场的扩大不只是通过更能符合需要的产品的创造，也通过消费旧产品人数的增加。仿佛是获得通往音乐之路的无产阶级希望能复兴领主既往的权力和一种代用的中产阶级式的景观。
于是音乐的财务来源模式转变了，出版家部分取代了赞助人。他们对新作品的生产感到兴趣，冒着风险为了一个快速扩大的市场而赞助业余演奏者。中产阶级没有能力供养一个私人集团，但他提供钢琴给他们的孩子。因此能够给钢琴弹奏的产品有了需求性。于是出版者偏好为少数乐器所作的作品或改编的曲目。
（摘自网络）
我肚子饿，该去找点东西吃，有了商品 ；我精神饿了，该去找点音乐听，精神它不吃东西呀，所以音乐跟书本一样变成商品！😊
最初的音乐只是让人们享受的，随着物质生产资料的发展，人们的对音乐的需要已经不只局限于缓解情绪的了，而是有了商业化的需求，使得音乐变成了商品。
最初的音乐创作，更多关乎创作者的情绪与心境，而随着社会的渐渐进步，人们逐渐发现音乐也可以不局限于个人的感受，而且还可以进行宣传广告，一些歌词的朗朗上口以及传唱度的广泛使得音乐变得商业化了，作为一些商品的宣传招牌，使得人们在音乐商品的途径中流传。
还有一种是音乐版权赋予音乐变成了商品，一些音乐APP开始收取下载费用，或者在欣赏歌曲就需要收取一定的费用，用这样的方式产生一定利益把音乐变成了商品。这样的方式所收取的费用通常都分成几份，一部分给予APP方作为推广音乐的宣传费，另一部分作为报酬给予创作者、歌手，以及这首歌曲所附属的投资方。
音乐是如何变成商品的？
大家应该都有注意到最近不管是什么音乐软件听歌都要买了，大家不仅疑惑什么时候我听个歌也要给钱了，不禁觉得自己的耳朵也变得贵了起来。
作为一个极其热爱听歌的人，我是十分赞同音乐听歌要购买这件事情的。
首先，音乐制作人制作一首歌并发行通常需要很长的周期，就算你灵感丰富，高产如母猪，制作一首三分钟时长的歌，也分曲，词，唱好几个part，更不用提录制的种种小意外。所以一首歌的制作成本是比较昂贵的。
然后是，音乐是人们生活中必不可少的东西啊，先不提水要买，现在很多地方连空气阳光都要购买了，那么音乐的购买也是理所应当的，种种不可抗力正将我们周遭的每一样东西都卷入商品市场，变为可以交易的商品。
最后，借这个机会，我要十分抨击盗版抄袭，希望每个人都可以尊重别人的劳动成果精神努力，千万不要抄袭盗版，更不要支持这些东西。
只有我们每个人都支持正版，支持音乐的商品化，才有可能有更多优秀的音乐作品出现。
在这个人们精神文明不断发展，人自身的精神营养也带不断跟进。从少数人从业的文艺工作者，到现在全民推进的文艺建设，文艺音乐越来越走进人们的生活中。
在音乐刚刚发展的时候，那指定就是少数人的精神寄托。他们沉醉在自己的世界里，他们不被社会大众所认可，他们被认为是不务正业。在那个年代，社会经济发展不富裕的现在，人们没有更多的时间和精力去探索他们的喜欢的事情。就像我原来也是败给了现实，从音乐学院重新考到了医学院。那时候音乐就不是大家眼中的主流音乐，到了现在，我们经济发展。我们大众的认知也有的大的进步，音乐也开始不受限制的发展。互联网音乐的发展代替了传统的磁带CD音乐。网络上一大批的音乐的认知越来越互联网，所以现在的互联网音乐也开始进入的收费时代。而随着人们的音乐欣赏，我们开始接受演唱会、音乐会等等的音乐形式，也就促进的音乐市场的发展，音乐市场商品化的发展。
从本质上说，音乐是一种欣赏的艺术品，可是在欣赏的过程当中，我们必定要付出一定的代价，才可以欣赏到音乐，这样就使音乐一步一步的变成商品。这样才可以让音乐人赚取利益，维持生活，继续从事音乐事业，为我们创作更多的音乐作品。
音乐从开始的时候就注定要成为商品，就比如说，我们在买唱片的时候，是一定要花钱的。我们在听演唱会的时候，是一定要买门票的。我们在APP上听一些最新的音乐的时候，是需要花钱开会员的。这些的例子太多太多，都是因为音乐是商品。
音乐如果不是商品，那那些制作音乐的人就没有办法获得收入，又怎么能生活，继续创作音乐呢。任何东西都是有价值的，既然有价值就注定要成为商品。这是任何事物发展的规律，这样才能让制作音乐的人有其中一个理由继续研究音乐。
